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SHIB 进入时尚界，鲸鱼移动了 200,000 BTC
答根据 SHIB 首席开发人员 Shytoshi Kusama 的推文， Shiba Inu 与 John Richmond 设计师服装合作。作为“合作伙伴”的一部分，John Richmond 和 Shiba Inu 将发行 10,000 份 NFT，在米兰和意大利举办时装发布会，并在世界各地的商店交易该系列。其他细节将很快公布，Shytoshi Kusama 说。
与此同时，AMC 首席执行官 Adam Aron 宣布，他的公司将在 3 月 19 日增加对 BitPay 支持的在线支付的支持，这意味着世界上最大的影院连锁店将很快能够开始接受 Shiba Inu。 随着加密货币市场的复苏，Shiba Inu 智能合约的使用量增加了 600%
随着 比特币 上涨约 18%，大型投资者（也称为“鲸鱼”）转移了超过 200,000 比特币。旗舰加密货币正在缓慢但肯定地获得牵引力，3 月的第一天达到了 44,981 美元的价格大关。在撰写本文时，比特币的易手价格为 41,700美元。然而，尽管复苏令人印象深刻，但 BTC 自年初以来仍下跌约 6%，较创纪录的峰值下跌 35.20%。
草间弥生是哪个时代的设计师？
答草间弥生
个人网站:
1929年 3月22日生於长野县松本市
1941年 进入长野县立松本第一高等女子学校
1948年 进入京都市立美术工艺学校第四年课程
1957年 11月前往美国西雅图
1958年 迁居纽约，於艺术学生联盟学习
1963年 取得美国永久居留权
1965年 开始发表作品
1973年 返回日本
1952年 第一次个展 （长野．松本市第一公民馆）
第二次个展 （长野．松本市第一公民馆）
1954年 东京．Shirokiya百货公司
1955年 东京．Takemiya画廊
1957年 西雅图．Zoe Dusanne画廊
1959年 纽约第一次个展．Brata画廊
1960年 华盛顿首府．Gres画廊
1961年 纽约．S. Radich画廊、华盛顿首府．Gres画廊
1962年 芝加哥．Robert Hanamura画廊
1963年 纽约．Castellane画廊：「Driving Image」
纽约．Gertrude Stein画廊：「积集一千只船」
1964年 纽约．Castellane画廊：「Driving Image show」
1965年 Provincetown‧Chrysler Museum个展
纽约．Castellane画廊：「Floor show」
1966年 米兰．d’Arte del Naviglio 2画廊：「草间里�箧riving Image show」
纽约．Castellane画廊：「草间的窥视：无限之邸br> 艾森．M.E.Thelen画廊
第33届威尼斯双年展：「水仙花园」
影片「自己消灭」於德国、荷兰、比利时、义大利电视播放
公开演出於巴黎各剧场
1967年 纽约 ．Black Gate Theater：「草间的自己消灭：视听声光表演」
纽约．Woodstock：「Horse Play」
「草间的自己消灭：视听声光表演」
草间自导、自制、自演之「自己消灭」：第四届比利时国际验电影竞获奖
Ann Arbor电影获银牌奖
第二届马里兰电影观摩
参加美国惠特尼美术馆之新美国电影系列「Steps Towards a New Consciousness」
纽约．Electric Circus：「草间茶舞者」
纽约．Cheetah Club：「人体绘画舞会」
海牙．International Galerij Orez
荷兰各地裸体圆点图案演出
1968年 影片「自己消灭」於纽约各地展出，包括体育馆、Blue Dome夜总会
草间自导、自演「花之狂欢」、「同性恋狂欢」於全美各地电视播出
七月前推出一系列「人体炸烈」活动。
第一次「人体炸烈」於纽约华 尔街华盛顿像之前进行
第二次「人体炸烈」於自由女神像前进行
第三次「人体炸烈」於纽约的埯丝梦游仙境雕像前进行
第四次「人体炸烈」在纽约的联合国大B前进行
纽约‧Electric Circus迪司可夜总会裸体表演
纽约‧中央公园：「Love in Festival」
成立「草间有限公司」
纽约‧Nirvana Headshop发表「Weekly Flesh-In」人体绘画
选举委员会前发表抗议声明
发表「同性恋婚礼」
「Allan Burke Show」中裸体演出
纽约 Fillmore East 裸体演出
荷兰‧Mickery画廊
法兰克福‧Lichter画廊
米兰‧d符号Arte del Naviglio画廊
1969年 中央公园：「Bust Out」
纽约‧Blue Dome夜总会
纽约‧现代艺术美术馆：「唤醒死者之大狂欢」
於纽约成立「草间服装」
1971年 「草间服装」於欧洲各地展出
海牙‧International Galerij Orez：「鸟笼‧绘画‧女人」
第一届纽约电影放映「草间的自己消灭」
1975年 返回日本后第一次个展，东京‧西村画廊：「内そ淼乃劳鲇息」
1978年 松本市‧松本商工会馆
东京‧美国中心：个展及上映「自己消灭」
1982年 东京‧富士电视画廊：「迷恋」
米兰‧d符号Arte del Naviglio画廊
东京‧Supplement画廊：上映「自己消灭(1967)」及「花之狂欢」
东京‧Video Gallery Scan：「裸体圆点消灭」
海牙‧Ornis画廊：「草间里�950-1970」
东京‧富士电视画廊：「自己消灭」
东京‧Video Gallery Scan
东京‧九品传净真寺：「婆沙罗之花」
东京‧富士电视画廊：「无限炸烈」
巴黎‧Christian Cheaneau画廊
法国‧Calais市美术馆
福冈‧北九州市立美术馆：「草间里�埂br> 法国‧Dole市立美术馆
芝加哥‧芝加哥国际艺术博览会
1988年 东京‧富士电视画廊：「灵魂燃烧闪光」
神奈川‧箱根雕刻之森美术馆
1989年 纽约‧国际现代美术中心：「草间里�仡櫿埂br> 牛津‧现代美术博物馆：「草间里�埂br>1991年 东京‧Nabis画廊：「草间的拼贴艺术1953-86」
东京‧银座新力大楼‧1991东京艺术博览会：「自己消灭」
福冈‧MOMA画廊：「草间里�埂br> 东京‧富士电视画廊：「天地之间」
1992年 东京‧草月美术馆：「燃烧的天河」［巡回至新泻市美术馆展出］
福冈‧MOMA画廊：「草间里�埂br>1993年 第45届威尼斯双年展日本馆
罗马‧Valentina Moncada画廊：「草间里�埂br> 威尼斯‧d符号Arte del Naviglio画廊：「草间里�埂br> 福冈‧福冈市美术馆：「草间里�娈嬚埂br>1994年 长野‧驹根高原美术馆：「草间里�埂br> 长野‧长野县信饷佬g馆：「草间里�埂br> 东京‧富士电视画廊：「我的独自逝去」
福冈‧MOMA画廊：「草间里�埂br>1995年 东京‧Ota Fine Arts：「草间里�鹤詺⒌奈摇br>1996年 东京‧Ota Fine Arts：「草间里�菏��嫛br> 福冈‧MOMA画廊：「我的青春展望」
纽约‧Paula Cooper画廊：「草间里�950与1960年代」
纽约‧Robert Miller画廊：「草间里�航�鳌br> 福冈‧Art Gallery Mitsubishi-Jisho Artium：「重覆」
福冈‧MOMA画廊：「照片拼贴重覆形像」
1997年 华盛顿‧Baumgartner画廊：「草间里�埂br> The Arts Club of Chicago：「草间里�埂br> 东京‧Ota Fine Arts：「草间里�翰蓍g的草间」
洛杉矶‧Margo Leavin画廊：「草间里�埂br>1998年 洛杉矶郡立美术馆：「永a的郏翰蓍g里 1958-1968」
福冈‧MOMA画廊：「自己消灭」
作品特色:
草间弥生的创作被评论家归类到相当多的艺术派别，包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术（en:Art Brut）、普普艺术和抽象表现主义等。但在草间对自己的描述中，她仅是一位“精神病艺术家”（obsessive artist）。从她的作品中可以看到，她企图呈现的是一种自传式的、深入心理的、性取向的内容；草间所用的创作手法则有绘画、软雕塑、行动艺术与装置艺术等。
草间在相当早的创作时期就发展出了自己的特色，她善用高彩度对比的圆点花纹加上镜子，大量包覆各种物体的表面，如墙壁、地板、画布、家里会出现的物品、还有裸体的助理）。她自己的打扮往往也与作品有很高的同质性，并以短上衣和非常强烈的眼影妆闻名。草间曾说明这些视觉特色都来自于她的幻觉，她认为这些点组成了一面无限大的补捉网（Infinity nets），代表了她的生命。
此外，草间也发展出自己独特的“繁殖”特色，她有许多作品都以蕈类聚生的造型出现。在1990年代之后，草间加入了商业艺术的领域，与服装设计界合作，推出了带有浓厚圆点草间风格的服饰，并开始贩卖许多艺术商品。
草间也算是日本当代作家之一，自她在1978年回到日本定居之后，陆续出版了含自传在内有10几本书籍。除了前面生平提到的几本重要小说之外，还包括了《圣马克教堂的燃烧》（1985年）、《天地之间》（1988年）、《拱形吊灯》（1989年）、《樱冢的双重自杀》（1989年）、《如此之忧》（诗集，1989年）、《鳕鱼角的天使》（1990年）、《中央公园的毛地黄》（1991年）、《沼地迷失》（1992年）、《纽约故事》（1993年）、《蚂蚁的精神病院》（1993年）、《堇的强迫》（1998年）、《1969年的纽约》（1998年）
童年与青年时期
1939年，草间弥生约10岁时，开始被大量幻觉困扰，因而时常有自杀企图。她留有当时为母亲画的铅笔画，画中就已充满了小圆点。
青年时就读日本长野县松本女子学校，毕业后到京都市立工艺美术学校（现在的京都市立铜驼工艺美术高等学校）主修日本画。
1950年代到1970年代
1998年出版的草间弥生作品集，收录了她在1958年到1968年间的当代艺术作品1951年，青年时的绘画作品《彷徨的梦》（Zanmu）获得日本第二届创作奖入选。
1954年，草间在绘画作品《花（D.S.P.S）》中曾有下列的表达：“某日我观看著红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的时间与绝对的空间感不停旋转著，我变的渺小而且微不足道。刹那间，我领会到这不是只有我的想像、而且是现实中的状况、我被吓到了。于是我对于红色桌布和上面的花纹产生了强烈的恐惧，我认为它就像是咒语，正在剥夺我的生活，我冲上阶梯企图逃离，但阶级却在我脚下散开，于是我从上面跌下来，脚腕也扭伤了。”
1955年，与美国女画家格鲁吉亚·欧姬芙通信，也寄自己的水彩画给她，并开始准备到美国。
1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。
1960年代参加了许多反战运动。
1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪·沃荷、克勒斯·欧登柏格。
1965年，在纽约展出《无限镜屋》（Infinity Mirror Room），个人特色（白底红点、大面镜、艺术家站在中央）相当引起注意。
1966年，作品《无限的爱》（Love Forever），使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》（Narcissus Garden），以1500个金色镜球（内部是塑胶制）装置组成，放在Italian Pavilion户外展场上，草间本人穿著金色和服端坐其中。并立牌告示一个金球价格美金2元。由于她作品中强调艺术应如超市可销售的概念，引起了不少的争议。
1968年，创作短片“消灭自己”（草间の自己消灭）得到了比利时第四届国际短片大奖与第二届日本联合树下电影节（アン・アーバー映画祭）的银奖。
1973年，返回日本。
1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》（マンハッタン自杀未遂常习犯）
1980年代之后
1983年，新小说《克里斯多夫男娼窟》（クリストファー男娼窟）获得日本第10届野性时代新人文学奖。（此书在1999年有中文翻译，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374）
1993年，代表日本参加威尼斯双年展。
1998年，参加了台北双年展。
2000年，参加澳洲雪梨2000双年展。作品是1965年的《无限镜屋》（此作品在1998年用同样的材质复制，原作已毁损。整个作品空间为250 x 500 x 500 公分）
2001年，获得日本朝日赏Asahi Prize。
2002年，出版自传《无限的网》。
2003年，在日本与美国展开了长期的巡回回顾展。并获法国文化部颁发艺术及文学部级骑士勋章(Chevalier de l'ordre des arts et des lettres)
今日她住在东京的心理治疗所中，并以七十多岁的高龄继续从事艺术创作，她的工作室离治疗所不远，她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”
激进的意念--Alexandra Munroe
国际上对於草间里�髌分�J定--涵盖五十年淼乃�省⑵促N、绘画、雕塑、环境艺术及活动--是最近几年当代艺术史上的事情。在长期被认为是精神常的放逐者之后，草间里�F在被视为日本现存最伟大的艺术家。1966年，她以一件户外装置作品参加第33届威尼斯双年展：1500个玻璃球设在草坪上，她光脚穿著一套金色的和服，朝向空中球。日本当局认为她破坏了这项展览。然而到了1993年，日本政府在威尼斯双年展中设立一个主题馆，以表示对她的尊崇。於是，她成为第一位单独代表日本参加威尼斯双年展的女性艺术家。想要覆长久以硎彻挪换��毡舅囆g制度的年轻一辈，如今视草间为典范。她大胆的表现，总是传达出存在於其激进意念中的浪漫精神。
那些仍然记得她在曼哈顿所呈现之前卫艺术的人们，视草间的重返国际舞台为一项奇迹式的突睢TS多人认为，她在1972年迁居回日本后便失踪了。或许正因为她是一位艺术家中的艺术家，草间经常逃避现世界。管享有名气(1968年时，她获得的媒体注视远超过安迪‧沃荷)，草间离开纽约的评论家、经纪人、及收藏家回到东京，於1977年自愿住进精神疗养院。
纽约时报评论家Roberta Smith曾经如此评论草间后期作品：
太多的画作饱受完美技巧之苦；各种圆点图案鲜明而且赋与一种愉偟囊曈X感受，但是一般的印象是过於机械化…草间女士早期作品中，色彩、符号、及间隔的波浪状变化是令人怀念的。
Smith女士K未提到草间近作中，精心创造的纷y图案及蓬勃的生气。那些以压克力料完成的作品，第一眼看K不如她早期作品般具「画相」，然而它们尺寸之大以及极端重复、缠绕的构图，K未稍减热情。同时，断言她的技巧呈现「机械化」是错误的。构成丛林般幻觉的那些无止境的圆点，是先以铅笔打底，再亲手一笔一笔填M的。草间近作中鲜艳的平面图案可能是诡诈的；时间一久，它们即可将你催眠进入她迷人的艺术里--人们所熟悉的黑暗、晕眩深渊之中。透过赋与她荒诞的幻想一个明确的形式，草间再一次证明，创造力足以战胜自我的退化。
草间弥生---这个名字听起来相当古典和优雅,但是任何看到其作品的人都会得到截然不同的感受----无穷无尽的圆点和条纹，艳丽的花朵重叠成海洋，混淆了真实空间的存在，只有阵阵眩晕和不知身处何处的迷惑。
重复性的圆点对于草间弥生与其被当作她与世界沟通的途径，不如说是一种治疗。1929年生于日本本土的草间是一个孤独的孩子，在幼年时代她就对现实生活视域中的圆点充满兴趣。镜子，圆点花纹，生物触角和尖端都是草间弥生后来作品中重复出现的母题，她对斑点的迷恋源自幼年患有神经性视听障碍，这场疾病使她看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网。
于是她开始画这些斑点，它们像是细胞，种族，分子，那些生命最基本的元素，草间弥生把它们看成是来自宇宙的和自然的信号。“地球也不过只是百万个圆点中的一个。”她用它们来改变固有的形式感，在事物之间刻意地制造连续性，来营造一种无限延伸的空间，置身其中的观众无法确定真实世界与幻境之间的边界。
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历史之外的女性艺术家：艺术界如何将她
答米开朗基罗、达·芬奇、波提切利、缇香、涅利，皆曾是文艺复兴时期的巨匠。如果最后这个名字让你感到有些陌生，那你还是可以被原谅的。Plautilla Nelli，她的圣经题材绘画是充满美感的佳作——就像和她同时代女艺术家的作品一样。但是，在和父权制本身一样古老的历史书写中，她没有被书写进任何一本文艺复兴史。涅利被视作一个仅仅懂得挥舞画笔的修女，遗弃在了艺术史之外。
涅利画作《悲伤的圣母》。涅利是16世纪的意大利修女，通过自学习得绘画技巧。她的作品大多是宗教题材，且许多都是大尺幅创作，在当时，创作巨幅作品对女性而言十分罕见。
在涅利出生的500年后，今年三月，佛罗伦萨的乌斐兹（Uffizi）美术馆准备举办首次涅利作品展。乌斐兹美术馆表示，这次尝试是想要开始纠正艺术收藏领域中的性别失衡，而这种不失衡仍然存在于世界上各个主要的艺术收藏馆之中。乌斐兹美术馆作为全世界最有影响力的美术馆之一，正就此做出重要的态度声明——如果这还不算太迟的话。
英国的艺术品收藏情况同样令人沮丧：女艺术家的作品仅仅占到苏格兰国家画廊（National Gallery of Scotland）藏品的4%，惠特沃斯美术馆（Whitworth Art Museum）的20%，泰德现代美术馆（Tate Mordern Gallery）的35%。而在过去十年的威尼斯艺术双年展上，代表英国参展的女艺术家只占到33%。
2015年威尼斯双年展上日本女艺术家盐田千春的装置作品《手中的钥匙》”（The Key In The Hand）。红色的线充满整个房间的天花板和墙壁，线上串着全球收集来的5万把钥匙。
这种性别失衡是系统性的，不单是在公立机构中明显存在着巨大差距，在几家最大的英国或国际商业画廊也长期如此。《卫报》收集的数据显示，在过去十年间，男性艺术家举办的个展占里森（Lisson）画廊全部个展的88%，豪瑟&沃斯（Hauser&Wirth）画廊个展的71%，占高古轩（Gagosian）画廊全部展览的88%，白立方画廊展览的76%，维多利亚米罗（Victoria Miro）画廊的59%。
我们很有必要了解艺术界这种性别偏斜所造成的影响。这些其分支跨越大洲的大画廊是全球性的艺术风尚制造者，他们打造出最炽手可热的艺术家，出钱资助他们的的艺术创作，并把他们介绍给全世界最富有的收藏者。时至今日，被我们看作最有价值（在金钱和文化意义上）的艺术品仍然几乎全是男艺术家的作品。这也是为什么世界上被认为最大最有价值的美术馆，都是拥有特纳、马蒂斯、梵高和毕加索、波洛克、孔斯等等这些人作品的地方。我们很难说出能与如上几个男艺术家分庭抗礼的女性的名字，这就已经说明了一切。
已故女艺术家的作品拍卖纪录也很能说明问题。有史以来作品最高拍卖价格的女性纪录保持者是乔治娅·欧姬芙（Georgia O’keefe），她的画作《曼陀罗/白花1号》（Jimson Weed/White Flower No.1》以0.44亿美元的价格售出，但这仅仅是次年毕加索的天价作品《阿尔及尔的女人》（Les Femmes d’Alger）售价（1.79亿美元）的四分之一。
2014年，女性艺术家乔治亚·欧姬芙（1887-1986）名作《曼陀罗/白花1号》在纽约“美国艺术”专拍中破女性艺术家作品的拍卖纪录，以44，405，000美元的价格成交，远超此前任何女性艺术家作品拍卖纪录的三倍之多。欧姬芙的绘画作品是1920年代美国艺术的经典代表，以半抽象半写实的手法闻名。
2014年，女性艺术家乔治亚·欧姬芙（1887-1986）名作《曼陀罗/白花1号》在纽约“美国艺术”专拍中破女性艺术家作品的拍卖纪录，以44，405，000美元的价格成交，远超此前任何女性艺术家作品拍卖纪录的三倍之多。欧姬芙的绘画作品是1920年代美国艺术的经典代表，以半抽象半写实的手法闻名。
尽管如此，在Artfinder网站（一个有9000名独立艺术家参与的线上画作交易平台）上，女艺术家的作品却比男艺术家的卖得更好，并长期居于最受买家欢迎的作品行列。在这里，每售出价值100万美元的男艺术家作品时，同时售出的女性作品则价值116万美元。为了就此引发一番讨论，Artfinder公司已经发布了一份艺术界性别平等问题的报告，矛头直指那些在艺术界位高权重却怀有性别偏见的机构。
在国际艺术界，可能正发生着转变，这种转变很大程度上是几家最大艺术机构女性领导者的功劳。今年，Maria Balshaw将会成为泰德美术馆的第一位女馆长，而泰德现代美术馆的现任馆长France Morris自2015年上任以来，就一直大胆支持女性艺术家。泰德现代美术馆的永久藏品中已经有了335位女艺术家的作品，尽管这个数字比起男性艺术家的959来说“仍然不够好”。
去年夏天，在泰德现代美术馆的增建部分“开辟室”（Switch House）开始对外开放时，Morris决定将一半的个展展厅用于女艺术家，例如Louise Bourgeouis，Ana Lupas 和Suzanne Lacy——这绝对是为一项颇具影响力的举动。
“我们开始用心反思我们的藏品都是什么、我们是如何将收集它们的，以及为什么做出这样的决定，”Morris 说，“我认为，我们关于“开辟室”的安排决定其实非常自然，我们没有要把这当成是一种商业炒作，或者就是为了多么张扬的反歧视——这单纯是对女性杰出作品的展出，同时也是为了纠正性别不平等的努力，就这么简单。我的很多同僚都说，这对她们而言‘是个很大的宽慰’。”
Morris先后担任艺术馆馆长和画廊总监，她长期负责泰德现代美术馆不断增多的女艺术家个展，包括Marlene Dumas，Sonia Delauney，Mona Hatoum和Agnes Martin等人的展览。对Morris来说，泰德现代美术馆步向性别平等的关键，就是把美术馆从艺术市场这个由金钱驱使的怪兽手中解放出来。毕竟，如果主要的艺术机构继续仅仅购买和展出那些能在当下拍卖中竞得高价的一时之作，女艺术家就将一直得不到认真的审视。
Mona Hatoum作品《单人牢房》（Cells，2014）
Morris不认为泰德现代美术馆的收藏和展出决策应该受到市场标价的任何影响。“我们真的必须停止以‘如何在艺术市场捞金最多’为根据来推动艺术品的创造了，”她说到，“有些言论说泰德现代美术馆的藏品价值不高，因为他们以最新的拍卖状况或者纽约现代艺术馆（MoMA，Museum of Modern Art）的标准来做评判，这让我很难过。那些本来就不是我们所关心的。泰德从来不是仅仅想要建立一个基于消费和私人品味的收藏展示，我们更感兴趣的是那些对公众而言具有杰出性、感发力和吸引力的作品。而也许比我们想象的更多的，这类的艺术作品是由女性完成的。
在公众发声方面，Morris也不是单人匹马。白教堂画廊（Whitechapel Gallery）的总监Iwona Blazwick近年已经推出了多于男性的女艺术家个展，包括最近“游击队女孩”（Guerilla Girls，一个组建于1980年代的行动派艺术家团体）的展览，由此挑战艺术界中女性的黯淡形象。
“只有很少的女人可以靠做全职艺术家谋生，今日依然如此，”Blazwick说，“这类女性在数量上有所增长，也涌现了一些非常杰出的女艺术家，但这个努力过程一直漫长而艰难。不过，我还是会说情况是有所变化的，女艺术家和她们作品之间‘先有鸡还是先有蛋’的问题终于处于要被打破的状态了。”
蛇形画廊的总监Hans Ulrich Obrist也对这类推动表示支持，他在去年被提名为艺术界最具影响力的人物之一。“（在策展时）我总是会多问问，是否有需要被我们重新发现的先驱性的、令人振奋的女艺术家。这也是我们为何能发掘出巴西艺术家Lygia Pape、Phyllida Barlow以及中东艺术家Etel Adnan的作品。” Obrist如此说到，他谈到的这几个女艺术家后来都在全球最重要的画廊中举办了个展。
Lygia Pape艺术作品《除数》（Divisor，1968-1985）
商业画廊是否正在经历一个被重估的阶段还有所争议。Susan May，白立方画廊的艺术指导，承认“遍及艺术界的性别不平等是一个我们很多人都有所认识的问题，大家都需要找到改善现状的办法”。白立方画廊将会对外公告即将开放的几个个展，分别是为四名女艺术家和一个由30位女性超现实主义艺术家组成的组合举办。
另一方面，豪森&沃斯画廊去年决定以一个女性抽象雕塑展作为他们新画廊——LA 画廊的开馆展览；五月，里森画廊以古巴女艺术家Carmen Herrera的展览开启了其在纽约的第一个画廊。Carmen Herrera多年来在默默无闻中创作，Gifford-Mead说：“Carmen绝对是抽象艺术运动中异常杰出的一位的艺术家，还有Ellsworth Kelly 和Barnett Newman，但她们完全被忽视了。所以，和她一起工作的机会——尤其在她还在世时——以及修正艺术界一些错误的机会，对我们来说实在非常可贵。”
2017年，里森画廊将要展出的艺术家过半是女性。“我们知道在艺术圈存在着性别不平等，但却不知道这种不平等状况是如此严峻。过去一年中，这是我们画廊在认真考虑的问题，也是我们正致力于恰当、迅速修正的问题。”
影响力与商业画廊等量齐观的大型拍卖所也正在做出努力。这个月，苏富比(微博)拍卖行将会举办Louise Bourgeois和Yayoi Kusama的联合展览。这两位20世纪女艺术家的作品都曾拍卖出上百万美元的高价，这也使她们在业内名声大噪。
对那些为数不多但长期以来为女艺术家博取一角的画廊来说，这确是一个宽慰：艺术界终于开始调整其性别分配的边界。例如Jane Hamlyn，弗里斯街画廊（Frith Street Gallery）的总监，已经在数十年中不遗余力地支持着像Marlene Dumas，Cornelia Parker和Fiona Banner这样的女艺术家。
Marlene Dumas系列作品《为自己造墓碑》（Measuring your own Grave），2008年在迈阿密当代艺术博物馆展出。
只是我们难以预测不可倒转的变化多快会到来。英国公立画廊正面临艰难的财政危机，对私人与商业资金越来越大的依赖使得性别平等仍然不会是未来被最优先考虑的问题。围绕着如何最好地去回顾和填补我们对历史上女艺术家作品的收藏缺口，争论也在持续发酵。女艺术家能简单地被“重新植入”艺术史吗？
nft airdrop怎么参加
答如下：
A. 直接购买 Kanaria雏卵 (限量700颗) ，售价为2KSM，持有者可领取RMKR代币空投，Kanaria雏卵未来可以孵化为NFT鸟。目前一颗创世雏卵的价格超过1000KSM，一颗普通雏卵的价格最高也超过200KSM。但该活动需要海外KYC。
B. 参与Kanaria专场LockDrop, 瓜分129,447 RMRK。
C. 参与RMRK交易竞赛，角逐210颗的Kanaria雏卵。
三种参与方式简单明了，我们都知道传统的NFT交易都在链上进行，很多人不懂如何去玩，而KuCoin联合Kusama上的首个NFT集Kanaria推出了中心化的NFT玩法，在中心化交易所就可以买到NFT，方便快捷，体验会更好
草间弥生简介
答草间弥生是谁草间弥生的艺术是怎样的草间弥生正应了那句调侃的话：艺术家往往都是精神病。我认为，前卫的艺术家不被大多数人理解，因为他们走在人类的前面，总会有被后人理解的一天，不要因为不被理解就放弃对艺术和美的追求啊。下面是草间弥生简介，跟一起了解吧!
草间弥生简介
草间弥生(Yayoi Kusama)，出生于日本长野县松本市，毕业于日本长野县松本女子学校。在1956年移居美国纽约市，并开始展露她占有领导地位的前卫艺术创作，现居住在日本东京。她曾与当代卓越的艺术家如安迪·沃霍尔(Andy Warhol)、克勒斯·欧登柏格(Claes Oldenburg)、贾斯培·琼斯(Jasper Johns)一起联展。
圆点女王、日本艺术天后、话题女王、精神病患者、怪婆婆等诸多标签加在一起，都不足以囊括草间弥生复杂而多变的一生。这位和荒木经惟一起被批评为日本坏品位的代表人物，年逾80岁，用半个世纪的艺术创作来不断证明自己，并和安迪·沃霍尔、小野洋子等先锋艺术家见证了当代艺术史。在接受《外滩画报》专访，谈及那些风云人物时，她说：“我觉得没有人比我有才华。我一直把所有的时间都用在艺术上，并且把我最原始的意念和想法全部用到了代表草间弥生的作品上。”
这个夏天，英国伦敦泰晤士河边的树木将被红色背景下的白色波尔卡圆点包裹了起来;9月，在伦敦Hayward 画廊 ，巨大的雕塑则将把画廊空间的里里外外布置得艳丽时尚;巨大的、重复的、红白相间的圆点，在伦敦的角落蔓延。但凡熟悉当代艺术的人，马上就能想起这些标志性圆点属于那个身着相似图案服装的“日本怪婆婆”。
这就是世界著名的圆点女王、日本超级艺术天后、话题女王——草间弥生。据统计，在日本，年轻人穿着的服饰中，带有圆点图案的服饰约占30%左右。草间弥生10岁左右就开始运用非对称的袖半身红半身白的毛衣装饰自己。至今为止，她的服装全部由自己设计的。圆点和她的精神病一样，成为艺术家身上最深的印记。
40年前，亚洲女子草间弥生成为纽约前卫艺术的先锋人物，影响力堪与波普艺术领袖安迪·沃霍尔匹敌。30多年前，她回到东京，住进精神疗养院，销声匿迹。1993年，她独自代表日本参加威尼斯双年展，重出江湖，确立了自己在国际艺术的地位。
今年6月底，英国《泰晤士报》公布20世纪最伟大的200名艺术家的调查结果。毕加索、塞尚名列第一、第二，中国艺术家无人入选。日本有4位艺术家上榜，分别为村上隆、草间弥生、杉木博司和野口勇。相比村上隆等日本艺术家，80岁的“怪婆婆”草间弥生比他们提前了整整三四十年。
草间弥生创作时间表
1939年，草间弥生(Yayoi Kusama)约10岁时，开始被大量幻觉困扰，因而时常有自杀企图。她留有当时为母亲画的铅笔画，画中就已充满了小圆。
1954年，草间在绘画作品《花(D.S.P.S)》中曾有下列的表达：“某日我观看着红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的时间与绝对的空间感不停旋转着，我变的渺小而且微不足道。
1955年，与美国女画家乔治亚·欧姬芙通信，并开始准备到美国。
1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。
1960年代参加了许多反战运动。
1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪·沃荷、克勒斯·欧登柏格。
1965年，在纽约展出《无限镜屋》(Infinity Mirror Room)，个人特色(白底红点、大面镜、艺术家站在中央)相当引起注意。
1966年，作品《无限的爱》(Love Forever)，使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》(Narcissus Garden)
1968年，创作短片“消灭自己”(草间の自己消灭)得到了比利时第四届国际短片大奖与第二届日本联合树下电影节。
1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》(マンハッタン自杀未遂常习犯)
1983年，新小说《克里斯多夫男娼窟》(クリストファー男娼窟)获得日本第10届野性时代新人文学奖。(此书在1999年有中文翻译，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374)
1993年，代表日本参加威尼斯双年展。
1998年，参加了台北双年展。
1998年出版的草间弥生作品集，收录了她在1958年到1968年间的当代艺术作品1951年，青年时的绘画作品《彷徨的梦》(Zanmu)获得日本第二届创作奖入选。
2000年，参加澳大利亚雪梨2000双年展。作品是1965年的《无限镜屋》(此作品在1998年用同样的材质复制，原作已毁损。整个作品空间为250 x 500 x 500 厘米)。
2001年，获得日本朝日赏Asahi Prize。
2002年，出版自传《无限的网》。
2003年，在日本与美国展开了长期的巡回回顾展。并获法国文化部颁发艺术及文学骑士勋章(Chevalier de l'ordre des arts et des lettres)
今日她住在东京的心理治疗所中，并以七十多岁的高龄继续从事艺术创作，她的工作室离治疗所不远，她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”
2012年，草间弥生本人、其工作室以及长久代理她作品的大田艺廊(Ota Fine Arts)与苏富比合作策划了一场“草间弥生-花儿在我心中为香港绽放”的独一无二草间弥生作品展售会。该展售会将会在2012年5月19至31日在「香港苏富比艺术空间」举办。
2013年12月15日至2014年3月30日，草间弥生“我的一个梦”亚洲巡展在上海当代艺术馆开展。
2014年9月25日，在上海举办的首届西岸艺术设计博览会中，20余副草间弥生作品展出。
草间弥生的艺术
据统计，在日本，年轻人穿着的服饰中，带有圆点图案的服饰约占30%左右。草间弥生10 岁左右就开始运用非对称的袖半身红半身白的毛衣装饰自己。至今为止，她的服装全部由自己设计的。
圆点和她的精神病一样，成为艺术家身上最深的印记。
40 年前，亚洲女子草间弥生成为纽约前卫艺术的先锋人物，影响力堪与波普艺术领袖安迪沃霍尔匹敌。30 多年前，她回到东京，住进精神疗养院，销声匿迹。1993 年，她独自代表日本参加威尼斯双年展，重出江湖，确立了自己在国际艺术的地位。
国际上对草间弥生作品之认定——涵盖五十年来的水彩、拼贴、绘画、雕塑、环境艺术及活动——是最近几年当代艺术史上的事情。在长期被认为是精神异常的放逐者之后，草间弥生现在被视为日本现存最伟大的艺术家。
1966年，她以一件户外装置作品参加第33届威尼斯双年展：1500个玻璃球铺设在草坪上，她光脚穿著一套金色的和服，朝向空中抛球。日本当局认为她破坏了这项展览。然而到了1993年，日本政府在威尼斯双年展中设立一个主题馆，以表示对她的尊崇。
於是，她成为第一位单独代表日本参加威尼斯双年展的女性艺术家。想要颠覆长久以来食古不化之日本艺术制度的年轻一辈，如今视草间为典范。她大胆的表现，总是传达出存在於其激进意念中的浪漫精神。
那些仍然记得她在曼哈顿所呈现之前卫艺术的人们，视草间的重返国际舞台为一项奇迹式的复活。许多人认为，她在1972年迁居回日本後便失踪了。或许正因为她是一位艺术家中的艺术家，草间经常逃避现实世界。尽管享有名气(1968年时，她获得的媒体注视远超过安迪-沃荷)，草间离开纽约的评论家、经纪人、及收藏家回到东京，於1977年自愿住进精神疗养院。
精神疗养院的艺术工作者
每天早晨，新宿精神疗养院，在助手的搀扶下，80 岁的草间弥生缓缓外出。1973 年从纽约回到东京，这样的生活，她过了30 多年。
白天，她到附近的工作室“上班”，晚上又回到疗养院。她极少外出，也很少会见客人，不逛百货商店，不会使用电脑和手机，过着与世隔绝的日子。
草间弥生作品赏析
不到10 岁时，草间弥生患有神经性视听障碍，经常出现幻听、幻视。她所看到的世界，蒙着一个巨大的网，于是她不停地画画，试着用重复的圆点把自己的幻觉表现出来——精神疾病与艺术创作几乎伴她一生。
“有一天，我坐在椅子上看着红色桌布上的纹理、花色，并开始寻找我的周围是不是还有同样的纹理，从窗户、墙壁、天花板到房间的每一个角落，包括我的身体。在寻找过程中，感觉自己被逐渐侵蚀、陨灭，时间与空间不停地旋转着，自我变得微不足道。就在那一刹那间，我意识到这并非只是一种幻觉，也是现实生活的一种存在，我被这真实的幻觉给吓坏了，我对红色桌布和上面的纹理产生了强烈的恐惧……我夺路而逃，台阶却在我脚下散落，我从台阶上摔了下来，手和脚踝都跌伤了……”
在疗养院附近的工作室里，她完成了包括巨型南瓜在内的数千件作品。
同时，她还发表了十几本小说和诗集。最近，草间弥生终于在疗养院隔壁买下一栋楼。她说，那是自己一生中最大的一笔花销，但至关重要，“我在那里画画，并进行雕塑作品的设计。那是我的工作，也是我的全部。”
1973 年，草间弥生从纽约回到日本之后便远离了公众视野。很少有人了解她的生活，唯一的线索就是长期接受精神治疗。去年，以草间弥生工作室为背景的纪录片上映，这是首次公开她的私密档案，大受欢迎。镜头中的草间弥生，身材矮小、略微驼背，穿着她自己设计的圆点衣服，戴着颜色艳丽的假发，还化着浓妆。
在工作室里，草间弥生会换上宽松的工作服，并开始至少8 小时的工作。疗养院把这位80 岁的老人照料得很好。草间弥生身体非常健康，但画画已经不是那么得心应手，经常需要助手们帮助。在助手们完成耗时而累人的铺色工作之后，她用自己特有的圆点表达不同的幻觉和梦境。
在精神疗养院里，草间弥生有一间私人卧室。即便在深夜，从工作室回来之后，她仍然可以在这里工作。写小说，写诗，画设计图或一些小画。在工作日，她会拨通经纪人的电话，絮叨地描述着自己前一天的状况，某件作品最新的进展，甚至是自己最喜欢的甜点——她比较贪恋甜食。即便是精神状况很好的时候，草间弥生还是经常会忘记自己说过什么，或者会重复已经说过的话，对方已经完全习惯了这种的方式，以至于通话时间有点长。
草间弥生
对于40 多年前曾经让自己大红大紫的报纸，草间弥生一直都在关注。她每天都会认真地看报纸，往往是从政治部分开始，这是保持了几十年的习惯。“在日本生活很难，除了在精神疗养院。”多年前的一次采访中，草间弥生如是说。草间弥生曾经患有精神分裂症，躺在床上会觉得天花板在旋转，强烈到感觉眩晕，控制不住自己，接着就会很沮丧、很焦急。如今，当她独处时，依然有着相同的困扰。事实上，早在几十年前，就有人提出，草间弥生是在利用自己的精神问题炒作。时至今日，人们对于她的精神状况依然不得而知，唯一确定的是，她依然住在精神疗养院里。
10 年前，台北画廊博览会曾邀请草间弥生作为艺术明星亮相。她在经纪人的陪同下应允前往，并将一个几米高，占地几十平方的《南瓜》带到现场。这是她离中国粉丝最近的一次。由于语言不通，在博览会现场和酒会上的草间弥生木讷寡言，开幕致辞也由经纪人代为完成。有媒体指出， 经纪人、助理等人像棉花一样填充在草间弥生这个易碎的玻璃制品周围，帮她打点一切事务。草间弥生则用大多数的时间在精神疗养院里休息、创作，游走于艺术家和精神病患者两种身份之间。
“草间弥生不知是在哪面墙上钻了一个洞，窥知了造物者的某个手势或背影，她从此寄居这面墙上，在两个世界间来回顾盼。”蔡康永的一篇名为《自愿住进精神疗养院的艺术家草间弥生》博文中这样比喻道。
一无所有
“如果你一定要问我从什么时候开始艺术创作的，我可以告诉你，那是在很小很小的时候。我的一生，我活着的每一个日子，都与艺术相关。要是人可以有来世，我还想再做艺术家。无论生与死，艺术对于我来说就是一切。”
在接受《外滩画报》采访时，草间弥生一遍又一遍地表述着艺术对于她的重要性，艺术是她一生中唯一抓住的东西。
1929 年，草间弥生出生在日本长野县松本市的一个富裕家庭，家族经营种子生意一百多年。
在10 岁时，草间弥生画了一幅铅笔画，一个小女孩阴郁而安静，没有一丝笑容，这恰恰是她童年的写照。
母亲将家族生意经营得有声有色，却对女儿的精神疾病一无所知。在她看来，草间弥生所谓的幻觉都是在胡说八道，而画画更不是富家女应该做的事情，她更希望自己的孩子成为“收藏艺术品的人”。母亲毁掉草间弥生的画布，罚她和工人们一起干活，经常把她关起来。“每天打我，还踢我屁股”，强烈的恐怖感让草间弥生的精神接近崩溃。
童年的记忆虽不尽美好，却极大地激发了她的创造力。草间弥生不但“发明”了那些张牙舞爪的类似花卉的植物，还把它们做得越来越庞大。花和植物成为草间弥生近来创作的主题，并已经在洛杉矶展出了“午夜怒放之花”系列，正是因为她对童年的回忆。
草间弥生
1955 年，26 岁的草间弥生在旧书店发现了美国女画家乔治亚欧姬芙的作品。在一位懂英文的堂兄的帮助下，她写信给乔志亚欧姬芙寻求帮助。“虽然我在远方，虽然我在艺术的道路上才刚刚起步，我还是恳请你为我指路……”深受感动的女画家回信给草间弥生，表示愿意在美国推荐她的作品。
1957 年，草间弥生拿到了去美国的签证，离开之前，母亲给了草间弥生100 万日元，告诉她永远不要踏入家门。临走时，她在家外的河堤上毁掉了数千件作品，表达对母亲的愤怒。
在日后的小说《中央公园的毛地黄》中，草间弥生通过描写一名日本女孩在纽约的遭遇展现了自己的早年经历：孤独潦倒，身无分文，仍然不打算回日本;她夹着自己的画在城市中的画廊间穿梭;由于不懂英语，这个小个子、相貌并不出众的东方女人卖掉一张作品都异常困难;在租住的公寓里，她半夜会被冻醒，一直画画到天亮;在街边的垃圾篮中拾起鱼头和丢弃的烂菜叶，并用这些材料熬一碗热汤。
“在美国人眼中，日本女人就好像温室里的花朵，草间弥生打破了这样的看法，她强悍而具有创造性。”纽约评论家Gordon Brown 在1960 年代接受采访时有这样的表述。
美国艺术家约瑟夫柯内尔的出现给草间弥生的人生增添浪漫色彩。柯内尔是近代美国著名艺术家、雕塑家和实验电影先锋人物。“第一次见到他时，他穿着一件奇怪的外套，我被吓坏了，以为自己见到的是一个幽灵。”
“ 他每天写信给我，打无数个电话给我，在电话中呼唤我，以至于有人问我，电话是不是坏掉了。我说，不是的，是因为他一直在和我通话。”草间弥生后来回忆，柯内尔有一天，竟然给她写了14封信。自上世纪60 年代认识后，两人一直相伴，直至1972 年约瑟夫柯内尔去世。
爱人的去世给草间弥生沉重的打击，她的精神问题越来越严重。1973 年，约瑟夫柯内尔去世的第二年，草间弥生从纽约回到东京，离开艺术家与评论家，逃出媒体视野，独自一人在精神疗养院生活。
波尔卡圆点女王的诞生
有人猜测，草间弥生把自己关进精神疗养院，是在约瑟夫柯内尔去世后的一种自我惩罚。她为博取盛名而进行的疯狂行动感到后悔，认为自 己更应该听从约瑟夫柯内尔的意见，把更多的精力放在作品上。
1959 年，在抵达纽约18 个月之后，草间弥生的五件作品参加第10 街布拉塔美术馆的一次年轻艺术家群展，每一件作品都是在一个稍暗的灰白色背景上，绘满网状图案，她的圆点受到纽约知名评论家的注意。
唐纳德贾德在《艺术新闻》中写道：“草间弥生是一位原创型的画家。展览中的五幅白色巨幅作品无论在概念上还是其实现方式上都是前卫而有力的……它发自于那些溶于平面的点，也发自于那些稍微偏离的但效果强烈的点……”
1964 年，草间弥生组织了名为“千船会”的展览，她把阴茎模样的软雕塑塞进船里，摆满了整个房间，房间的周围都是这些作品的图片，那些突出的阴茎从墙壁上的印刷品中得到回应，所有人都觉得淹没其中了。
由于精神疾病的影响，草间弥生将极度重复扩展到雕塑和装置艺术领域。更为有趣的是，这竟然引领了未来美国波普艺术的潮流。安迪沃霍尔类似形式的展览“牛首交错”出现于1966 年。草间弥生在接受媒体采访时，多次指出包括安迪沃霍尔在内的美国艺术家曾经借鉴过自己的想法，而这些人在美国都“发了财”。
即便是在举办轰动一时的“千船会”展览之后，草间弥生还是不被纽约主流艺术圈所认可，甚至总是在财务上深陷困境。1967 年，当得知无法获得预期的展出机会之后，她开始自己演出，草间弥生的标志性圆点蔓延到千奇百怪的物体表面之后，又铺到了现场行为表演的裸体之上。
“在华尔街的纽约证交所旁，四个裸女正随着鼓手敲出来的节奏扭动着，而草间弥生在她的律师陪同下，正向她们裸露的身体上喷着蓝色的波尔卡圆点。警察迅速驱散了他们。”
1968 年，草间弥生疯狂组织“人体炸裂”的系列裸体集会后，迅速成为美国媒体追逐的对象。她化着浓妆，披着长发，穿着自己改制的怪异服装，依傍“自由女神”像，或在中央公园的“仙女爱丽丝”雕像处恣意地表演，人潮从四面涌来。每个观众需要付2 美元“门票”。借此行为艺术，草间弥生获得不菲的收入。1969 年，在纽约MOMA 的一次展出之后，这个日本女人成为《纽约时报》的封面人物，其头版图片的副标题却是“但这是艺术吗”。
平日里，草间弥生内敛而安静，年轻东方女性的面孔在纽约艺术界非常新鲜;但在行为表演中，她疯狂而投入，彻底释放甚至是裸露登场。她的一些老朋友开始背弃疏远她，认为草间弥生为求成名已经把自己降格到非艺术家行列。远在日本的草间弥生家人得知她在公共场合的放荡言行后深感恐惧，终止了和她的联系。
引领前卫半个世纪
草间弥生在美国的十几年，正值波普艺术的兴盛期。多年以后，当评论家们重新梳理她的创作历程时，把草间弥生式的疯狂，归位于复杂的社会环境：“那是一个‘嬉皮士’横行的时代，草间弥生很快就意识到这个国家正在流行什么，他们抗议越战，吸食毒品，追逐东方神秘，寻求外来宗教的庇护，崇尚性解放。很多人开始以打破常规为生，一些人因此变得富有和出名。”
草间弥生在纽约的经历将日本人的名字写入西方波普艺术史，1962 年，草间弥生与安迪沃霍尔等一起参加在绿色画廊的群展。绿色画廊同年本打算为她举行个人展览，但因缺乏资金不得不放弃。当Olden Burg 的个展在绿色画廊开幕时，包含于草间弥生无限重复的男性生殖器相似的软雕塑。他的妻子诉说了草间弥生对某些作品的影响。“ 很抱歉我们了您的创意。”她说。
几乎是在相同的时间段，安迪沃霍尔就像经营一个模仿品的批发店一般不断吸收周围的一切元素。在草间弥生 “千船会”展览的开幕式上，沃霍尔带着极震惊的表情对其完美表现大加称赞。如果草间弥生不是因为精神疾病离开纽约，她会是安迪沃霍尔艺术地位的最有力竞争者，但精神疾病恰恰又是草间弥生几十年创作的主导。
国内评论家陆蓉之把草间弥生和小野洋子比作20 世纪国际艺坛最闪耀的女明星。小野洋子与列侬的世纪之恋以及与欧美艺坛核心势力的接触，都使得她在流行文化中的知名度远远大于草间弥生。“但就具有标志特性的独特艺术风格以及开创性来说，草间弥生的复活源自她的艺术本身。”陆蓉之这样说。
“在小野洋子遇到列侬之前，她的作品就已经很棒了。但从某种意义而言，列侬使得她更受关注。草间弥生的经历虽然传奇，却没有一个类似列侬的角色，这可能是她并非尽人皆知的原因之一。”独立策展人方振宁这样评价：“不容忽视的是，她既是日本当代艺术的先锋，在纽约期间，更影响了美国的波普艺术。”
曾经邀请草间弥生参加台北画廊博览会的洪平涛回忆：“那次，草间弥生的几十件绘画或小件雕塑被抢购一空，遗憾的是那个巨大的南瓜在两三个月后都没有卖出。因为在台北找不到合适的仓库，我们把南瓜运到了乡下，包裹得严严实实，放在田里，好像一个碉堡，直到最后被运回日本。”这一巨型南瓜当时的价格不超过50 万元，而今天已经涨了数十倍。10 年间。每每提及此事，洪平涛都觉得惋惜。
1966 年，草间弥生“非法”参加威尼斯双年展。她未经同意就带着作品《那克索斯的花园》(Narcissus Garden) 出现在绿园中央的意大利馆前面，1500个金色镜球( 内部是塑胶制) 构成的装置，醒目突出，她本人穿着金色和服端坐其中。并立牌告示：一个金球价格2美元，强调艺术品可以像热狗一样叫卖。在被双年展组委会请出去之后，她穿着猩红色的紧身衣摊开双臂躺在镜球中间，风头超过所有参展艺术家。
1993 年，草间弥生独自代表日本参加威尼斯双年展，日本政府专门为她设立主题馆，以此向这位前卫女王致敬，草间弥生在本国以及国际艺术地位重新得以确立。几十年精神疗养院的生活打磨掉了草间弥生的叛逆，她的作品回归架上绘画和雕塑，布满圆点南瓜系列作品成为经典。同时，草间弥生还把她的圆点铺到设计类产品上，为兰蔻设计的化妆包和为AU 设计的手机都在热卖，昔日纽约轰轰烈烈的“前卫女王”至今依然引领时尚。
“无论你是否了解草间弥生，一看到作品就马上知道她来自日本。这与意识形态并没有关系，只是因为她把日本民间文化的亲切感和现代社会一体化了。无穷无尽的圆点是她的标志，一直在重复，却又永远时尚。”洪平涛如是说。
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